jueves, 10 de septiembre de 2015

Cynic- Focus (Death metal Progressive) - 1993

A lo largo del tiempo hay un sin fin sucesos y acciones que cambiaron la historia o simplemente lo contrario, que no pasaron y con ello no varió nada en el mundo para bien o para mal. ¿Que hubiera pasado con la ley de la gravitación, si no le hubiera caído la manzana a Newton en la cabeza?, ¿Habria surgido el tercer Reich, si el soldado ingles Henry Tandey hubiera disparado y matado a ese soldado malherido que se encontró durante la 1ª Guerra Mundial, llamado Adolf Hitler?

Pues con los movimientos artísticos y culturales pasa lo mismo, todo son sucesos. Por suerte la banda de Miami, si que sacó este "Focus" en 1993, y supuso el primer disco donde mezclaban diferentes sonidos como el Death, el jazz fusion, músicas étnicas y aveces una voz electrónica. Estoy seguro que ellos no acababan de entender lo que tenían en las manos, la cantidad de influencias que han salido de este álbum, tanto que se separaron al año siguiente de la salida del Focus, y se volvieron a juntar en el 2007, sacando buenos discos, pero ya sin tanta relevancia e innovación en el panorama musical del metal.




Y es que ya desde el inicio es rompedor en "Veil of Maya" donde aparece esa voz electrónica con un aire bastante misterioso. Ahora no es raro escuchar este tipo de voces pero en aquella época era algo insólito y menos si la juntabas con otra gutural. A poco que avanzas en el tema ya percives el cambio sin fin de sonidos que será la tónica habitual del disco, la experimentación y estructuras enrevesadas.

Las canciones van pasando y siempre acabo preguntandome la facilidad con la que hacen todo esto este grupo americano. En su música, todo encaja, nada queda extraño ni fuera de lugar, y os aseguro que esto es casi imposible de tocar e imitar. Solo tienes que llegar a "Sentiment" un tema más suave que las primeras del disco y donde nos encontramos esa fuerza en la base, donde el bajo es más propio del Jazz que del Metal, donde la batería se divierte, y las guitarras muy melódicas van fluyendo y donde poco a poco te vas quedando hipnotizado por su música.

Es imposible comentar cada detalle que hay en el disco, y tampoco hay canciones que sobresalgan del resto. A mi personalmente "Urobonic Forms" me pierde, porque se puede ver a la perfección la idea de Cynic, donde la técnica se respira en el ambiente, donde los cambios de sonido pasan de la crudeza a un sutil juego de platos de la batería mientras la instrumentación es delicada, y hace aparición una voz femenina tenue que se fusiona con el ambiente. Ninguna nota se toca en vano.

Pero sin duda la joya de la corona, lo que me enamoró perdidamente de este disco, de este grupo y de esta música experimental es el tema "Textures" una canción instrumetal, donde el nombre le va a la perfección, donde es una obligación perderte entre tanto color, donde se dejan ver una guitarras acústicas que tanto explotará Opeth después. El Progessive tenía una nueva bandera que ondear.

"How Could I" cierra el disco. Cuarenta minutos de experiencias que se va apagando entre los gritos guturales más agresivos del plástico, tan solo callados por el torbellino musical y ese solo de guitarra que más de una estrella del Rock de los 80 hubiera deseado que fuese suyo.

¿Que hubiera pasado, si nunca llega a ver la luz este disco? seguramente toda la experimentación musical que hay aquí, hubiera tardado más en llegar a nuesros oidos. El mundo está lleno de sucesos que lo cambian todo.


Autor reseña: Jorge Bielba.

miércoles, 15 de julio de 2015

Kyuss- Blues For the Red Sun (Stoner)- 1992

"Estamos en el 1992 después de Jesucristo. Toda América está ocupada por el movimiento Grunge... ¿Toda? ¡No! Una aldea en mitad del extenso desierto poblada por irreductibles melenudos todavía resiste al invasor"... y con esta famosa intro adaptada de Asterix y Obelix, podríamos comenzar esta reseña sobre Kyuss. Y es que en aquella década de los 90 donde parecía que se apagaba todo el esplendor que definía los maravillosos 80, nos iba a dejar una sorpresa. Y es que aun quedaba un destello de genialidad que haría que se forjaran los cimientos del Stoner.

 Era corriente que en mitad del desierto californiano se juntaran grupos jóvenes en locales perdidos de la mano de Dios, para hacer jams sesions. Mamando de diferentes influencias como el Blues, el Hard Rock, el Thrash y el Groove, y mezclado con músicos de gran calidad. Se consiguió plasmar este sonido a la perfección en el estudio y con ello un movimiento que hoy en día aun está muy vivo.


Con su segundo disco "Blues For the Red Sun", Kyuss dejaba bien claras sus intenciones, donde todo estaba hecho a propósito y nada era fruto de la casualidad. Hasta el nombre del disco, que era un tributo a uno de los capítulos de la serie "Cosmos" de Carl Sagan, Blues For the Red Planet. Y es que le viene como anillo al dedo, ya que dentro del plástico encontraremos mucha arena, paisajes áridos y soledad que bien puede definir al planeta rojo.

Abren el disco con "Thumb" donde ya se puede apreciar el primer riff machacón y esa voz que tanto define a este grupo. Tema potente que explota en la recta final dejando bien claro lo apisonadoras que pueden ser. La siguiente canción "Green Machine" sin duda será el estandarte de este grupo durante toda su carrera, donde se ve a la perfección lo que es esta banda, una base fuerte y hambrienta que crean la batería y el bajo que viene con un solazo incluido, una guitarra afilada que no parará en todo el trabajo de inventar y esa voz visceral. Es verdad que las letras no se considerarán de una gran prosa, pero no se puede dudar lo directas y fuertes que van dirigidas.

Mientras van pasando los minutos, va quedando más claro que estos sonidos se asentaron con la idea de una jam sesion. Donde en la improvisación se puede apreciar en mitad de cualquier canción o en los temas cortos e instrumentales que plagan el disco, como "Molten Universe" o "Apothecaries' Weight" con su inicio más suave y sensual que va derivando en las distorsiones y la tralla. Otra de las paradas obligatorias sería "50 Million Year Trip (Downside Up)", donde no les tiembla el pulso y muestran que la dureza del sonido puede ir acompañada de la mano con la melodía. Más pausada y baladita es "Thong Song" donde la voz desgarrada encaja mejor en los movimientos de la época con esos punteos iniciales tan marca de Nirvana. 

"Writhe" podría ser otro de los temas clásicos del grupo, donde se vuelve a destacar la improvisación y el solo de guitarra que tiene vida propia. "Allen's Wrench" y Mondo Generator" cierran el redondo, dejando el pistón bien alto y el acelerador bien apretado con la voz distorsionada de Oliveri. Bueno, cierran el redondo si no contamos la canción de cuatro segundos "Yeah" del que el nombre no deja mucho a la imaginación de lo que vamos a oír. 

Disco que ya ha pasado a la historia, que bien ha repercutido a crear un movimiento como el Stoner y que recomiendo escuchar de principio a fin como un todo, más que como canciones sueltas. Después de este disco vendrá otra genialidad como "Welcome to Sky Valley" y por culpas del mercado y la popularidad, Kyuss tubo que acabar disolviéndose. Pero bien merece la pena una corta vida, pero bien escrita en piedra, donde ellos consiguieron diferenciarse de la tónica que plagaban las calles y las radios con su sonido tan especial.


Autor reseña: Jorge Bielba.





martes, 7 de julio de 2015

Paradox- Tales Of the Weird (Power/ Thrash/ Speed)- 2012

Todos amamos el Thrash alemán, todos tenemos en mente bandas que han sonado mil veces en nuestras cabezas como Kreator, Tankard o Sodom. Yo hasta he tenido la suerte de poder vivirlos en directo. Pero dentro de esa lista de grandes grupos, hay uno en especial como es el protagonista de esta reseña, "Paradox" que está más que maldito. Han triunfado con sus discos en las críticas profesionales, pero nunca el gran reconocido de las grandes masas de fans. Han sufrido innumerables cambios de formación, problemas de salud, parones indefinidos de más de diez años. Pero por suerte, siempre consiguen sobre ponerse a las situaciones y volver a la carga con buenos discos bajo el brazo. Hoy traigo su sexto y último trabajo "Tales Of the Weird".


Ya empezaron sus andaduras por 1987, con su disco debut "Product of Imagination", considerado el mejor debut en Alemania desde "Walls of Jericho" de Hellowen, casi nada. "Paradox" siempre apostó por los sonidos con esta fórmula sin caer en el aburrimiento, ni siendo repetitivos. Nunca inventarán nada nuevo que no hayamos escuchado, pero que bien se les da hacer trallazos que nos transportan en el tiempo y sino escucha temas como "Slashdead" o "Escalation" plagado de riffs rompe médulas, donde las guitarras son las protagonistas de la tralla.

Para este disco, entro a las filas del grupo Christian Muenzner, un virtuoso de las seis cuerdas, bien curtido tras haber estado en la tremenda banda de Technical Death "Obscura" y que traerá en algunas momentos del disco algunos pasajes más progressives y contundente. El claro ejemplo es mi preferida del disco "Brainwashed" con sus siete minutos y medio, tema más completo y compacto, donde hay de todo, partes que te arrollan sin piedad, una bajada de revoluciones en los estribillos y esa guitarra que fluye sin límites.

El otro gran tema es el que abre y da nombre al disco "Tales of the Weird" con una intro acústica que entra suavemente para acabar desembocando en una marea de golpes dirigida por el doble pedal de la batería. Yo tengo que decir que personalemente no soy muy fan de la voz, aun si que está muy correcta en todo el trabajo. Hay momentos para todos los gustos en el álbum, "Fragile Alliance" sería la canción más relajada y tranquila donde todo va menos pesado y más melódico. "Zeitgeist" la himnótica pista instrumental que va ligada a "The Downward Spiral" que sería el ultimo trallazo antes de darte las buenas noches con su versión del mítico grupo "Rainbow" y su "A Light in the Black" que cierra el disco. Buena versión donde el arreglo de la instrumentación está muy acertada y donde queda muy propia de los alemanes.

Así que buen disco de vieja escuela en tiempos modernos, donde la tralla y la melodía van ligadas a la perfección. Donde "Paradox" sigue demostrando que se merecen su sitio en los más alto del Thrash alemán, muy recomendable a los amantes de este estilo.


Autor reseña: Jorge Bielba.

lunes, 29 de junio de 2015

Vulture Industries- The Tower (Avant Garde)- 2013

Recientemente descubrí a estos noruegos, "Vulture Industries" de los que venían con las etiquetas de Avant Garde y ese tipo de música experimental que este estilo representa, junto con su otra etiqueta, Black metal. Me entró instantáneamente la curiosidad de saberlo todo sobre este grupo y si todo apuntaba a priori que me iban a gustar, no decepcionó para nada, era un sonido diferente a como lo había imaginado, pero una experiencia genial. Me apetece mucho comentar sobre su último disco "The Tower", y el mundo que crean los geniales Vulture Industries.


Mientas iba escuchando su no muy extensa discografía, vi claramente que cada vez el sonido Black iba desapareciendo en su música. En este "The Tower" solo aparece en momentos puntuales, pero intercambian esos sonidos más agresivos, por madurez y saber hacer.  Ya que no es una propuesta fácil ni por la parte creativa, ni para el público, la idea de este proyecto. Primero por ser un disco conceptual (adoro los discos conceptuales), y segundo por las estructuras de las canciones, que no siguen los patrones normales, sin practicamente estribillos, ni ritmos pegadizos. Simplemente una historia deseosa de ser escuchada. Para disfrutar y entender mejor el disco, recomiendo traducir las letras, merece la pena seguirlas.

El tema de la historia de este disco conceptual, donde nos cuentan un lugar en donde está construida la Gran Torre, donde puede ser vista desde cualquier sitio, donde su sombra cubre todos los rincones. Las normas que rigen la manera de vivir de la zona, donde prima la idea materialista por encima del sudor, la sangre, el dolor y el individuo. Un sistema forjado por ladrillos y huesos. Donde las grietas son tapadas con el miedo y la muerte. La industria es la torre, el subir escalones y peldaños cuesta precios elevados y en el que bajar a lo más hondo es tan fácil como parpadear.

Los temas entran fáciles, donde la voz del narrador muestra toda su versatilidad, el miedo, la ironía o la repugnancia. Apoyada perfectamente por los coros, donde se remarcan las frases en los momentos perfectos. La instrumentación, es una herramienta más para contar la historia, que se va adecuando al momento que se va narrando y que va evolucionando con la historia. Sin protagonismos, donde todos funcionan como una máquina engranada, aunque tengo que remarcar el sonido del piano de época. Sonidos muy atmosféricos que te meten a la perfección en la historia.

Gran trabajo también en las letras, que cuentan de una forma tan sencilla y clara sucesos de este lugar y que dan tanto que pensar. La primera canción "The Tower" es la que nos inicia en la historia y nos narra las 5 leyes que es necesario seguir para vivir. Pero grandes temas se van sucediendo, "The Dead Won't Mind" donde expresa la idea que la muerte no da problemas, "perro muerto no ladra ni deja huella". "A Knife between Us" que nos remarca que da igual que tengas que hacer para sobrevivir, lo importante es que tu tengas el mango del cuchillo y no el filo hacia ti. La maquinaría nunca para de funcionar y siempre necesita ser alimentada.

No tiene perdida, merece la pena escucharlo, temas como "Blood On the Trail", "The Hound", "The Pulse of Bliss"  un gran trabajo en las que perderse y reflexionar. Un disco diferente, en el que se lanzan estos noruegos a la piscina y donde la experimentación no tiene limites. Espero que lo disfrutéis.


Autor reseña: Jorge Bielba.

viernes, 26 de junio de 2015

Septicflesh- Communion (Melodic Death)- 2008

¡Aquí llega mi primera aportación a este blog! Es el 7º disco de su carrera, con el que anunciarían su regreso después de haber estado 5 años separados (1990-2003 / 2007 - …). ¡Y de que manera lo han hecho!.



Estos griegos darían a luz una joya que vendría bajo el nombre de "Communion", que combina la dureza y brutalidad del Death Metal con la oscura atmósfera de Metal Gótico y un factor que hace que este disco pase de ser un “disco más" a una “obra maestra" que se da por la incorporación de una orquesta al completo con coros, con mas de 100 músicos a sus espaldas, añadiendo un elemento de música clásica muy bien compuesto por el guitarrista Christos Antoniou. Los artífices de este disco son los hermanos Christos (guitarra) y Seth Siro (bajo/voz) junto Sotiris (guitarra/teclados) y Fotis (Ex-batéria).

 Como podemos comprobar por la portada la temática principal es la mitología egipcia, que también encontramos referencias a la sumeria y la griega. El disco esta marcado por unos ritmos y riffs contundentes que combinan a la perfección con sus partes melódicas, de lo que hace muy fácil una primera escucha y cada vez que los vas escuchando más y más vas apreciando todos esos pequeños detalles que hacen unas canciones increíbles. "Lovescraf’t Death” abre el disco por lo más alto, demostrando que estos griegos saben lo que hacen y que en 1 minuto de canción nos dicen lo que nos espera a continuación, de echo las campanas nos dan paso a una de las canciones más icónicas suyas, “Anubis” destacada por su melodía y fuerza de la voz que hace una de las canciones más relajadas porque con “Communion” empieza la brutalidad de nuevo seguida de “Babel’s Gate”, “We, The Gods” y “Sunlight/Moonlight” ,siendo esta última una de mis favoritas, por como destaca la voz melódica y con el que da comienzo al viaje por “Persepolis”, la canción más larga del disco, que con la instrumentación parece que estés viajando según va avanzando la canción.

 Ya solo quedarían dos temas “Sangreal”, siendo el tema que hace un resumen perfecto del disco y “Narcissus” dando el broche final con unos riffs muy interesantes, con lo que ya solo te queda poner en modo bucle todo el disco.

 En definitiva, un disco perfecto para los amantes del Death Metal Melódico

Autor reseña: Carlos Enriquez.

domingo, 14 de junio de 2015

Xerath- III (Death Progressive)- 2014

No creo que mucha gente conozca al grupo ingles Xerath, sinceramente yo también los descubrí hace pocos meses. Me llamo la atención esa portada tan brutal que tiene este "III", que como no, es su tercer disco, ¿humor ingles? que ironía que una banda de progressive que cuida tantos detalles tanto en su instrumentación como en su ilustración no tenga ni cinco minutos para pensar un nombre. Aun que le da su encanto, y lo que se encuentra dentro de él, no tiene ningún desperdicio.


Nada fácil de digerir es la propuesta musical de Xerath, con una instrumentación realmente densa que se podría cortar con un cuchillo. También influye el planteamiento de su música. Ya que no va dirigida a un publico masificado deseosos de canciones llena pistas, que sean fácil de recordar y tararear, no es un grupo de tres temazos y mucha paja. Eso no les interesa, ellos buscan un trabajo, un conjunto donde puedan transmitir toda su rabia y su música. Y este "III", es claramente eso, un álbum, donde no hay canciones donde destaquen sobre el resto, sino una secuencia de temas con la misma idea general que va transcurriendo. Nunca llenaran estadios, pero verles en una sala desplegar todo su potencial, tiene que ser una experiencia increíble.

Como se puede intuir de su portada, los ingleses tienen un sonido apocalyptico, arrollador, que te agobia y a la vez tiene partes de brillo y luz entre tanta oscuridad, con toques muy symphonicos, donde crea pasajes impresionantes. Y es que se me hace fácil imaginarme que esta música es la que sonaría en la destrucción del mundo en el juicio final.

Estructuras muy enrevesadas, y guitarras en donde veo mucha influencia de "Strapping Young Lad" o los ritmos de "Meshuggah", con el aliciente de un aroma futurista en las letras y sonidos, como se deja ver en temas como "2053". Como pega tengo que decir, que son muchas canciones de no mucha duración, pero si que hacen del disco que sea un poco largo, aun que merece la pena esperar hasta el final y llegar a "Veil - Part I" y "Veil - Part II" dos canciones practicamente instrumentales y de las más orquestales, que cierran el disco de la mejor manera.

Disco no para todos los públicos, el cual no es fácil de escuchar de una vez. Pero el cual gustará seguro a los que tengan ganas de algo diferente y una mentalidad más abierta.


Autor reseña: Jorge Bielba.

jueves, 4 de junio de 2015

Enslaved- In Times (Progressive Black)- 2015

Mucha dualidad nos vamos a encontrar con las opiniones sobre el último disco de Enslaved. Mucha gente echa de menos, esa época donde la rabia y el Black predominaban en los sonidos de los noruegos. Pero aun que les comprenda, no puedo desear un mejor resultado para este disco, donde han sabido mezclar las partes melódicas a la perfección con las de desfase y destrucción. Este regalito que nos han dejado es en mi opinión una obra maestra, la culminación que estaban buscando tras sus dos últimos trabajos. ¡Esto es magia!




Este grupo ya tiene mucha historia a su espalda, y es que "Ivar Bjornson", ya tenia en mente el ser uno de los dominadores de la escena del Metal extremo y creo esta banda con tan solo 13 añitos. Después de una gran cantidad de discos, en donde siempre innovaban e intentaban evolucionar y no cansar con su sonido, iban haciéndose hueco en el panorama musical, y todos sabemos como funcionan estas cosas, a medida que iban variando su sonido, atraían nuevas fans y disgustaban a otros tantos. Pero como yo soy de los que intenta tener una mentalidad abierta y disfrutar de cada época en los grupos, no puedo más que mostrar mi satisfacción con el momento en el que se encuentra "Enslaved" en este gran "In Times".

El disco está formado por tan solo 6 canciones, pero la más cortita dura 8:11 así que tenemos minutos por delante para aburrir. "Thurisaz Dreaming" nos da la primera ostia en la cara nada más empezar con esos riffs tan black y esa voz gutural rota que no se quiere esconder ni un segundo, aunque esta no va a ser la dinámica de los temas, ya que no tarda en aparecer la otra voz dulce e hipnotizante, para calentar un poco el frió ambiente que habían dejado. Y es que si algo han conseguido en este disco, es hacer que encajen estas partes tan diferenciadas entre sí, haciendo como si hubieran estado todo el rato sonando.

Dan rienda suelta a su imaginación a lo largo de las canciones, consiguiendo momentos de mucha intensiadad, demostrando toda su calidad. Claro ejemplo para entender su propuesta sería "One Thousand Years Of Rain", donde la instrumentación no para de jugar y crea alguna que otra atmósfera más que interesante, personalmente de mis preferidas del disco. Y es que el momento de riff final sobre una batería al máximo es perfecto.

Partes alegres con las que inician "Nauthir Bleeding" aun que no durarán mucho tiempo. Donde juegan con sonidos e historias propias de la cultura nórdica, y es que suena tan bien en las partes melódicas, haciendose diferenciar del resto.

Y es que no te puedo recomendar más, solo que te dejes llevar por la canción que le da nombre al disco, "In Times" y esperar que te impresiona tanto como a mí, con sus cambios de giro, sus sonidos afilados y sus partes de pura tranquilidad. Sin duda yo no podía dejar de escucharla una y otra vez.

Enslaved tiene muchas cosas que decir, muchos sonidos que explorar, y el que no los quiera ver, por desgracia se perderá grandes momentos, y el que sepa apreciarlos le aseguro que se volverá adicto a este genial disco.


Autor reseña: Jorge Bielba.


martes, 2 de junio de 2015

All That Remains- The Fall of Ideals (Melodic Death/ Metalcore)- 2006

Tras varios meses desde mi primera aportación, y varias broncas de Bielba, ¡he vuelto al blog! Esta vez he querido traeros uno de los álbumes que más ha marcado la evolución de mis gustos musicales como pocos han podido. Hará como unos 6 años, en pleno auge de la locura de Guitar Hero, un colega me retó a jugar una de las canciones más difíciles del juego, “Six” de All That Remains... no acerté ni una puñetera nota, pero esa canción me hizo abrir los ojos a todo un nuevo género desconocido para el joven y alocado Pimot de la época, el Metalcore. A partir de ahí, y tras escuchar la discografía de la banda más de lo que estoy dispuesto a admitir, fui descubriendo otras del género como Killswitch Engage, As I Lay Dying, Bullet For My Valentine o Trivium, que harían engordar enormemente mi, ya de por sí creciente, bagaje musical.


All That Remains se funda en el año 2000 como proyecto paralelo del entonces cantante de Shadows Fall, Phil Labonte, pero pasaría a ser su grupo principal poco después debido a la gran atención que fue atrayendo la banda. Con este tercer álbum, The Fall of Ideals, llegaron al clímax de popularidad, llegando a aparecer en el Top 100 de algunas listas de ventas. Además, su aparición en el juego Guitar Hero y en la Banda Sonora Original del film Saw III, les abrió las puertas a una mayor audiencia. Como digo, con este trabajo llegaron a un clímax que a día de hoy, tras otros 4 álbums (siendo el último de este mismo año), aún no han conseguido mantener ni igualar.

Este trabajo comienza de la mejor manera posible, el grito inicial de “This Calling” es una completa declaración de intenciones. Nos muestran rápidamente su capacidad para cambiar entre el aspecto más duro de su estilo propio y las partes melódicas, especialmente con los cambios de registro vocal del señor Labonte. Intercalan partes rápidas y pesadas con melodías de guitarra que ya quisieran otras bandas de la escena metalcore, y ésta es una característica que va a acompañar al resto del álbum.
Con “Not Alone” nos vamos hacia la parte melódica, sin perder dureza, con letras directas y que acompañan estupendamente a la parte instrumental en cada frase, con las guitarras al frente en un dúo muy bien coordinado. “It Dwells in Me” sigue en esta línea, con una vertiente mucho más sucia y distorsionada, donde la voz pasa un poco a segundo plano.

Seguidamente “We Stand” nos va llevando a través del estilo de ATR: variedad en la voz, variedad en las guitarras, distorsión y “limpios”; una perfecta antesala para una de las mejores canciones del CD. En “Whispers” todo es cambio, de dureza con distorsión a melódico, constante cambio, con un estribillo pegadizo y estrofas arrolladoras, ojalá fuera algo más larga... Con “The Weak Willed”, y más adelante también “Indictment”, nos encontramos con un muro de sonidos graves y agresivos, como si hubiera que compensar con los temas anteriores, pero vaya, no podían no meter una sección lenta y melódica.
Se podría decir que “Six” es la estrella junto con el tema inicial y es, en mi opinión, el motivo de la popularidad posterior de la banda. No adelantaré nada para que sintáis lo mismo que yo la primera vez que la escuché, abajo la tenéis, simplemente brillante. Tras la rápida y escueta “Become the Catalyst”, los ritmos entrecortados y rápidos riffs de “The Air That I Breathe” y “Empty Inside” nos llevan hacia un final agresivo y amenazante con “Indictment” como título.

All That Remains se muestran a su creciente público de entonces con este The Fall of Ideals, mostrándonos todas sus posibles facetas musicales, plasmadas a lo largo de los 11 temas, partiendo de los aspectos más limpios con una tendencia hacia los riffs rápidos y duros y siempre acompañados de los precisos cambios de voz del frontman. Nunca me cansaré de recomendarlo.



Autor reseña: Pimot.

domingo, 24 de mayo de 2015

The Blackwater Fever- The Depths (Blues/Rock)- 2013

Ya es oscuro allí fuera, bebiendo solo whisky en la barra de algún tugurio alejado de la mano de dios, donde el aire esta cargado al humo del tabaco, donde en la escena está ambientada con los ruidos de los demás parroquianos del lugar que juegan a los dardos y el billar. Esta y muchas más historias de perdedores, esa esencia de la música maldita del blues es lo que nos traen este trio australiano con su tercer disco "The Depths".



Y es que estos "The Blackwater Fever", apadrinados para nada más y nada menos que nos "Black Keys", nos traen su fórmula que les está funcionando tan bien, donde los cimientos son el Blues clásico aliñado con la psicodélia y esos sonidos que recuerdan tanto al grunge, aun que tan solo hay que escuchar esa voz aspera que recuerda a un tal Kurt Cobain.

Canciones oscuras, que entran te atrapan con tanta facilidad, de las que no quieres escapar. "When the Night Comes" es una buena muestra, elegida para abrir el disco. El disco tiene 14 temas, en las que nos encontramos verdaderas perlas. "Can't Help Yourself" donde la guitarra hace un papel perfecto cojiendo un papel protagonista, que se va turnando con el resto de instrumentos de los diferentes cortes. Donde nos van mostrando diferentes caras, "Don't Fuck with Joe" sería su faceta más canalla, donde esa voz alcanza su mejor momento, donde todo gira, donde no puedes evitar la sonrisa.

Canciones con personalidad que evolucionan, mientras van sonando, "Seven White Horses" otro de los temas destacados para mi gusto, que camina a su ritmo lento y contundente. El bajo hace un papel increíble durante todo el disco, dándole esa atmósfera más densa. Solo tienes que dejarte llevar por el single "Won't Cry over You" la canción perfecta, donde se juntan los olores del pasado con esa psicodélia que tanto nos encandila.

También hay espacio para temas instrumentales como "Rat Eyes" o "Tide Rider", en los que cerrar los ojos y moverte al son de las notas que se deslizan suavemente por el aire.

En resumen, un disco donde la experimentación nos da este regalo, donde la facilidad con la que transmiten es su mejor aliada. Donde hay que tener la mente abierta, y disfrutar. "The Depths" no tiene pérdida.


Autor reseña: Jorge Bielba.

viernes, 8 de mayo de 2015

Obsidian Kingdom- Manttis (Post Metal/ Black/ Progressive)- 2012

Si hay algo sabido, es que triunfar en la música es mucho más que complicado. Hacerte tu pequeño hueco, tu sello de identidad, tu toque que haga que te diferencien del resto y conseguir al fin transmitir con tu música mil sensaciones para el oyente. Pero si esta aventura ya suele ser complicada, más si encima lo tuyo es el Metal extremo alternativo en un país donde muy pocos saben de que estas hablando, ¡joder Mike! te puedes sentir muy jodido.

 Pero aquí viene un grupo como "Obsidiana Kingdom" con el objetivo de demostrarnos de que ellos lo conseguirían, y después de penurias, cambios de formación, faltas de dinero para mantener todo esto, lo lograron. Y madre mía si lo lograron con este disco que se sacaron, "Manttis" un disco conceptual de 14 pasajes que a más de uno se le hará la boca agua.


Cuando las influencias dispares se juntan encajando a la perfección, cuando la personalidad marca el camino, cuando diferentes tonos de negros y blancos aparecen en la paleta, cuando del horror, la ira o el dolor pueden pasar en un breve instante de tiempo a la calma, la dulzura o la intensidad, cuando disfrutar de un trabajo así es una obligación. Es lo que nos quieren mostrar los barceloneses en su "Mantiis".

Catorce canciones que son las pequeñas partes de una que formaría todo el disco, tan bien ligadas que no te das cuenta de cuando termina una y comienza la siguiente. Donde todo se va descubriendo poco a poco, las primeras atmósferas que crea la canción inicial "Not Yet Five" y que te deja esa sensación de que la tormenta se aproxima, con "Oncoming Dark" nos muestran su parte más calmada, con una voz limpia y cálida sobre una guitarra acústica, haciéndonos dar un paso más hacia esa metamorfosis que al menos yo siempre espero cuando lo estoy escuchando. Y que no se hace esperar pues ya empiezan los primeros ramalazos de tralla al final de esta canción y el inicio de "Through the Glass" que te va metiendo más en tensión, donde todo se va oscureciendo para que nos muestren su otra faceta, su monstruosidad en "Cinnamon Balls" donde el Black ya nos tiene rodeados y bien atados, con esa mezcla de progressive que les diferencia del resto.

Los diferentes matices, y momentos que van creando los instrumentos se van sucediendo y evolucionando, y casi sin que nos demos cuenta el disco se acaba y tienes que volverlo a empezar. Más partes de furia y rabia intercaladas con la tranquilidad de las partes suaves, donde todos tienen su papel e importancia, perfectmente claro en "Awake Until Dawn".

Grandes momentos a lo largo del disco, la colaboración del cantante de Foscor, pero si algo es digno de mentar, el punto clave que me acabo de enamorar de este disco, es el arriesgado momento de "Last of the Light", donde todo empieza sin control por todas partes, para ir sucedido por la delicadeza de una guitarra y un piano, pero entonces llega la genialidad, algo que nadie se esperaría en un disco de Post black, y es que el protagonismo de todo lo tenga una trompeta puesta en el lugar perfecto, y donde todo lo demás gira a su vera, para finalizar con el caos como en el inicio del tema. Perfecto.

Grandes bandas nacionales, que se atreven, que sacan sus frutos después de tanto esfuerzo y de los que nos dan ganas de más. No tiene perdida, Mantiis es algo que tienes que probar sin duda. ¿Te atreves con la evolución de una metamorfosis?.


Autor reseña: Jorge Bielba.

miércoles, 29 de abril de 2015

Hark- Crystalline (Sludge/ Doom/ progressive)- 2014

Se que no puedo evitarlo, pero es que la ola de nuevos grupos que se añaden al movimiento del distorsionado Sludge, y que si ya lo mezclan con diferentes estilos como el arollante Doom o el stoner, intentando seguir la estela de esos grupos que abanderan esta corriente como mis queridos Mastodon o High on Fire, me encanta. Aunque si a alguien me tienen que recordar estos Hark son a esos Baroness de sus primeros discos que tanto he mamado. Buen álbum debut de unos músicos salidos de las extrañas tierras para este tipo de sonidos como es Gales. Con ya experiencia en la industria musical a las espaldas y con la que han sabido rodearse más que bien para una gran producción en este disco.


No puedo empezar sin dejar de comentar la portada del disco, que ya me incitó a devorar el disco desde el primer momento, y que me da otro argumento para destacar el parecido con Baroness, ya que la portada también ha sido creada por el propio cantante de los galeses.

"Palendromeda" empieza a sonar, y nos queda claro que el desfile de riffs densos y que nos dejen sin aliento van a ser la tónica habitual dentro del plástico. Buen tema para abrir el disco, donde ya esa voz desde el estomago sale a pasear y con toda su rabia y sentimiento me deja con muchas ganas de descubir el resto. Una de las mejores cosas es que las canciones no están todas cortadas por el mismo patrón, con lo que nos dejan ver diferentes influencias y estilos, aun que todas tengan la misma idea de crear atmósferas densas. Así nos encontramos cortes más propios del Doom como "Sins On Sleeves" uno de los temas que más me han gustado, donde solo puedes intentar aguantar los duros golpes del instrumental durante los siete minutos que duran, y donde destaca ese bajo brutal.

Nos encontramos también con "Mythopoia" canción que ya había sido presentada dos años antes de este disco, más marcada y accesible donde la batería es una pura tormenta sin control. Aun que para frenético y diferenciada del resto de canciones estaría la genial "Breathe and Run" con unas guitarras con aroma de rock en ciertas partes. Tal vez una canción más arriesgada con más toques de pogressive sería "All Wretch No Vomit" donde se ve un poco más de brillo en el instrumental, aun que con la marca de la casa, de seguir siendo una apisonadora que hará retumbar todas las paredes de tu casa.

Pero si hay que quitarse el sombrero en alguna parte, eso sería en el cierre con la mastodontica "Clear light of..." con sus casi once minutos, que por lo menos a mi se me pasan volando, y donde se puede ver un poco la mezcla de todo lo que nos ofrecen y saben hacer estos galeses. 

Que el Sludge corra por las venas y nos sigan saliendo grupazos con discos así. Muy recomendados y a la espera de que nos vuelvan a sorprender.



Autor reseña: Jorge Bielba.

martes, 21 de abril de 2015

Ommium Gatherum- New World Shadows (Melodic Death/ Progressive)- 2011

Ommium Gatherum, son unos currantes como la copa de un pino. Un grupo finlandés, ¿de donde si no?, que por desgracia no goza de toda la popularidad que se merece y que tienen otras bandas bastante cercanas a ellos. Pero ellos no paran de demostrar todo su talento en cada disco, y es que no hay uno malo, aun que yo me decante por este "New World Shadows", cualquiera me vale, para hablar de este grupazo, que se puso como meta seguir reinventando un estilo tan explotado como el Melodic Death, y decir al mundo que no está muerto, y es que su sonido es un batiburrillo de sonidos, melodías y estructuras un tanto complejas aveces, de las que es difícil no hacerse adicto, para los que somos amantes del género.


Y es que solo con el recibimiento de"Everfields", el tema que abre el disco, vamos a ver la filosofía que tienen estos finlandeses, un tema largo de 9 minutos, por donde los cambios durante la canción son llamativos, donde el brillo de esas guitarras adorna todo, mientras esa voz tan grave y gutural que me absorbe desde el primer momento en el que hace acto de presencia, también mentar esa genial batería en esta canción y todo el disco.

La siguiente "Ego", más directa, con un estribillo con esas coros rudos y unas melodías de las cuerdas muy pegadizas con las que te es fácil transportarte a este "nuevo mundo", no se vosotros, pero yo no puedo parar de moverme. la siguiente canción, que da nombre al disco "New World Shadows", donde el riff machacón marca el camino, y donde esa voz intimida con ese rugido, que estalla en ese estribillo donde todo los instrumentos se elevan y se entienden a la perfección. Gran juego con las guitarras, demostrando porque es tan grande el Melodic Death, un rastro de luz con las voces limpias al final del tema, que dan un punto más sentimental entre tanta sombra metalizada.

Y es que todo lo que hay en disco merece la pena escucharlo, solo con el inicio del zumbido de las cuerdas de"Soul Journeys", a estas alturas del disco, ya tenemos bien claro los galones y el sonido que nos proponen Ommium Gatherum y su mezcla de un sin fin de melodías y contundencia y la importancia de su instrumental que se va trasnformando y evolucionando a la vez que pasan los segundos de las canciones. Un sonido más clásico incluso con algún aroma rockero en los primeros compases de "Nova Flame", para acabar un torbellino de furia y guitarreos fríos. Sin duda, lo que más me gusta de ellos, es la facilidad que tienen de explotar en algún punto de cada canción y elevar el sonido donde todo se junta como un mecanismo.

Ahora nos acercaríamos a la parte más progressive del disco, con uno de mis canciones preferidas del trabajo para darme la razón, la genial "An Infinite Mind" donde sus guitarras demuestran toda su calidad, una voz un poco menos agresiva, o lo que se puede con semejante gutural y donde todo es más pausado y atmosférico. ¿Que remedio dejarse rodear por esta música?. Seguido de un buen corte instrumental "Watcher Of The Skies" con partes más acústicas y cerrando de una forma más suave y delicada. Para que el golpe de "The Distance" sea más contundente y claro, vuelve el ritmo más machacón y toda la garra de esa poderosa voz, y la formula del éxito que tienen estos finlandeses bien estudiada.

 Pero aun podíamos esperar algo aun mejor para cerrar un discazo así, otro tema largo con sus 9 minutos tal cual empezamos, "Deep Cold", un viaje a golpe de baqueta, donde las partes más suavecitas protagonizadas por el piano se entrelazan con algún "rompecuellos", donde vuelven a aparecer esos coros limpios que elevan la canción otra vez y del que a medida que se acerca el final todo se hace más symphonico y amplio con una genial melodía, con la que dejarnos un buen sabor de boca y unas ganas de ponerse el disco otra vez.

Genial disco, genial grupo, genial país para el metal y la música, y hasta los que no tienen la popularidad de todo el mundo, te dejan joyitas tan increíbles como este "New World Shadows", vale mucho la pena escuchar sus discos y este aun más. Avisado quedas.


Autor reseña: Jorge Bielba.



domingo, 1 de marzo de 2015

Birth Control- Operation (Rock/ Rock Progressive/ Krautrock)- 1971

Lo primero que hice nada más ver esta portada fue preguntarme qué demonios era semejante mierda. Arrastrado por la curiosidad y esperanza de que detrás de tal esperpento hubiera algún que otro tema que sonara medianamente bien, me aventuré a escucharlo, y hubo mucha suerte.


Birth Control se formaron en Berlín en el '66, sumergidos en la escena del Rock Alemán, más conocida como Krautrock (traducción literal: Rock Repollo). El Krautrock, cuyos representantes más conocidos fueron, entre otros, Tangerine Dream, Faust o Kraftwerk, se caracterizó por lanzarse, partiendo del Rock Progresivo, a la experimentación, aventurándose por los caminos de las nuevas tecnologías. No fue el caso de esta banda, que se mostró más reacia a seguir la corriente general de Alemania y, sin embargo, más favorable a emular lo que nacía en Inglaterra. Fueron influenciados esencialmente por bandas tales como Ten Years After, The Doors, The Jimi Hendrix Experience o Procol Harum.

El nombre, Birth Control, fue reacción a unas declaraciones que el delegado sindical de Dios en la tierra coetáneo (Pablo VI), realizó sobre los métodos anticonceptivos. Todas sus portadas se caracterizaron por ser desafiantes, rayando, como en esta que os traigo, lo desagradable. Unas veces estuvieron relacionadas con la natalidad y otras con cosas que váyase a saber usted qué demonios eran, pero igualmente feas. El estilo de Birth Control es cuanto menos curioso: cada canción se encuentra en una onda musical distinta, cuyas influencias son fácilmente distinguibles, con la peculiaridad de su duración, habitualmente más larga que lo habitual en los grupos en quienes se inspiran. 

“Operation” fue el segundo trabajo de estos alemanes, publicado en 1971 y compuesto por seis temas. Es difícil encontrar información de esta banda, y aún más de este álbum, así que es realmente poco lo que se puede comentar tanto de su recepción, como de la producción o similares. Lo que sí puedo afirmar es que se ha convertido en cierto modo en una rareza. El LP original no baja de los 50 napoleones, y las reediciones que se han hecho han sido muy contadas, la mayoría de ellas en suelo germánico, por lo que cabe deducir que el grupo, tanto en su período de máximo esplendor, como posteriormente, no fue demasiado apreciado en el resto del continente (¿Sería por sus portadas? De ser así, se lo merecían).

El disco se inicia con “Stop Little Lady”, tema de siete minutos que, si bien comienza con algo que podría recordar al progresivo, no tiene nada que ver en cuanto avanza un poco, convirtiéndose el estilo del corte en algo muy próximo a una mezcla entre The Doors y Ten Years After. A estos segundos en especial, cuando sobre el tercer minuto, deciden apartarse de toda línea vocal y se lanzan a una pegadiza base instrumental, al tiempo que organillo Hammond y guitarra realizan unos sencillos pero muy melódicos solos que nos transportan al rock setentero más pureta.

En el segundo tema, “Just Before The Sun Will Rise”, no es difícil darse cuenta de como bebieron de The Doors. En él se encuentra el mismo estilo pausado, de ritmos bien marcados, línea vocal grave con ligera reverberación y tintes psicodélicos que caracterizó a la banda de Morrison.

El álbum se cierra con un tema, de once minutos de duración, ya muchísimo más próximo al Rock Progresivo que el resto de cortes, eminentemente sinfónico, de inspiración clásica, en el que el cantante opta por aproximarse más al registro vocal del vocalista de Procol Harum que a cualquier otro. La pieza cuenta con arreglos orquestales, e incluso con la curiosa aportación de un clavicordio en concretos y no muy largos fraseos, los cuales son acometidos con inspiración barroca.

Es este un disco del que todo aficionado al rock de principios de los setenta podrá sacar el máximo jugo y disfrutar del primer al último tema, si no se deja espantar por la portada.


Autor reseña: Alejandro Molina.

miércoles, 25 de febrero de 2015

Seasick Steve -You Can't Teach an Old Dog New Tricks (Conutry/ Blues)- 2011


En esta reseña voy a salirme de la línea de álbumes que he estado trayendo hasta el momento, todos ellos incardinados en el Rock Progresivo o derivados, para apostar en esta ocasión por algo muchísimo más sencillo, sin conceptualismos, ni complejas composiciones instrumentales de músicos encerrados durante meses en estudio. Me voy ahora al otro extremo, a Seasick Steve, un blues-country-man norteamericano, al que meter más de tres o cuatro instrumentos en un tema le parece ya pasarse de instrumentos.


Seasick Steve (1941, Oakland, California), ha sido un músico más que tardío. Cuenta ahora con 74 años, y su álbum debut fue publicado hace 11 años, vamos, cuando ya arrastraba a las espaldas 63 años, que viene a ser la edad en la que muchos de los grandes músicos han optado por jubilarse. Sin embargo, a Steve, a pesar de su larga barba ya blanca y de una presunta alopecia oculta siempre bajo gorras viejas y deshilachadas, no parece que se le acaben las energías, y para comprobar esto no hay más que verle subido a un escenario.

Es un músico cuanto menos curioso. Su estética y modo de vivir es la típicamente redneck, de los norteamericanos del sur de EEUU. Acostumbra engalanarse con gastados petos de mecánico, y, cuando no, con pantalones vaqueros y camiseta blanca de tirantes (a la que solo le faltan las manchas de aceite). En la mayoría de sus fotos que no sean de directos, podréis verle acompañado siempre de oxidadas rancheras, tractores y Chevys que presumiblemente conduce. Y siempre presente la botella de Jack Daniels a la que se amorra como si no hubiera mañana. 

 
Pero, precisamente, una de las cosas que más le caracterizan, fuera de todas estas consideraciones, son sus instrumentos, los cuales acostumbra a fabricar él mismo, resultando cacharros con cuerdas que sorprendentemente suenan, y vaya como suenan. En la foto podéis ver un buen ejemplo de lo que os cuento: el palo medianamente gordo es la estructura principal del (llamémosle) banjo, que en su extremo inferior termina en una lata (¿de aceite de coche?); el cuerpo es una yanta, de un antiguo Terraplane Hudson, sobre la que está montada el fonocaptor; por último, las cuerdas, en el puente bajo, están enganchadas en una espumadera de cocina condenadamente oxidada. E insisto: suena.

El álbum por el que me he decidido es You Can't Teach an Old Dog New Tricks, de portada especialmente relacionada con el título. Ya os digo, la complejidad no es lo de Seasick Steve. Es su quinto álbum, publicado en 2011, lanzado en EEUU a cargo de la discográfica Third Man Records, que es el sello fundado por Jack White (el Eduardo Manostijeras de los White Stripes). Contiene doce temas, y el bajo corre a cuenta de John Paul Jones, el bajista de Led Zeppelin, con el que se realizó también la gira.

Previamente, ya había adelantado que Seasick Steve es un blues-country-man, pero no hay que esperar de este álbum ritmos pausados ni melancólicos, por regla general, si bien sí es cierto que no se resistió a incluir un par de temas en esta línea, tales como Treasures, Burnin' Up, o Whiskey Ballad (en el que aconseja que ante cualquier dificultad, copazo de whisky). Por lo demás, los temas cuentan con el increíble ritmo y pegadizos riffs de sus pseudo-banjos y guitarras. Ejemplo de esto son cortes como el que da nombre al álbum, You Can't Teach an Old Dog New Tricks, Back in the Doghouse o la genial Don't Know Why She Love Me But She Do, que opino que es uno de los temas estrellas del álbum, con tanto ritmo que resulta imposible no menear la cabeza nada más se escucha el principio del riff.

En definitiva, un álbum ideal para todos aquellos a los que les guste un blues mucho más rítmico de lo usual, y que además les produzca especial curiosidad este músico que aún tiene mucho que ofrecernos. 


Autor reseña: Alejandro Molina.

martes, 24 de febrero de 2015

Horn of The Rhino- Summoning Deliverance (Doom/Thrash)- 2014

Llevo tiempo ya queriendo hablar de bandas, de las que tendríamos que sentirnos orgullosos de que sean de nuestras fronteras y de las que casi desconocemos, que están ahí siempre trabajando para sacar lo mejor de nuestro metal. Y sin duda, cuando pienso en grupos así, me viene a la cabeza "Horn of The Rhino", con toda su mala leche y su tremendo potencial con el que disco tras disco, no paran de satisfacerme. Y es que estos tíos vienen a construir su dominio con discos como este.


Con claras muestras de su Doom metal en "Weight of Coronation", asfixiante, pesado y denso. O sonidos más extremos con el que nos dejo un gran sabor de boca en su anterior disco "Grengus", llegan en máxima forma a este 2014 con este "Summoding Deliverance" donde podemos ver una mezcla de sus influencias pasadas y nuevos caminos por los que adentrarse, a destacar para mí, la mejora y cuidado de esa voz limpia con la que muestra tantas emociones y poder.

Buenas canciones, de larga duración, donde la apisonadora instrumental va marcando el camino, lentamente (que esperas, es Doom) para que esa voz se mueva allá por donde quiera, claro ejemplo en "Onward Through Domination". Una de las cosas que más me ha sorprendido, es notar una clara influencia de unos monstruos como "High On Fire" de los cual me declaro fiel seguidor, por lo cual no me quejare en escuchar temas como "High Priest" o la tremenda y atronadora "Exvenhsench" ojo con los nombres, primer tema del disco después de la intro, y con las que el desgarro y la furia inicial, con esa batería marcando y destrozando todo lo que pilla, entre ellos nuestros cuellos.

Algo más rápido, más Thrash, pero con unas guitarras densas como no se podía esperar menos de ellos nos encontramos en "Their Tombs", dandole otra cara al trio Bilbaíno, faceta de la que pueden sacar mucho jugo, más agónica y directa. Hasta algún ramalazo Black, demostrando todo su poderío en "Grim Foreigners" dejándolos cada vez más inclasificables. Apocalíptico tema, pero que a la vez se me hace bastante accesible, que cosas anteriores que habiamos escuchando antes de ellos.

Pero por muy bien que suene su metal extremo y sus buenas dosis de tralla, a mí con lo que de verdad me acaban de atrapar, es con cortes como "An Excess of Faith" con la que cierran el disco, o "Deliverance Prayer", donde la voz limpia aparece, para que todas las luces la apunten y sea la clara protagonista, donde marcan la diferencia sobre el resto, donde con dos cojones te dejan con los ojos como platos. De lo mejor del disco.

Horn of The Rhino, sin duda hay que probar a escucharles, este o sus anteriores discos, porque a más de uno le dejará más que sorprendido. Denso, oscuro, dando caña hasta no poder más, sacando toda la rabia que no se puede contener. Imprescindibles.




Autor reseña: Jorge Bielba.

jueves, 12 de febrero de 2015

Behemoth- The satanist (Symphonic Black)- 2014

Ya tenia ganas de hablar sobre la última obra de "Behemoth", los polacos sacaron el año pasado un disco, que les volvía a reafirmarse como inagotables, siempre trabajando y saliendo victoriosos con sus propuestas. Un disco que les habrá dejado las mejores sensaciones casi de sus vidas, después de los duros cinco años que han pasado, con la enfermedad del señor Nergal, y de más problemas judiciales. Y es que este no es solo un disco de Black más, es un baile de intenciones entre llamas y oscuridad.


Una vuelta a un sonido más oscuro, más cargado, pomposo, donde todo está hecho a lo grande. Como abarcando más, y haciéndolo también más accesible para las personas que no están del todo acostumbrados a estos sonidos. Donde el descontrol y la ira, jugaran entre los cambios entre el Death y el Black, e incluso algún aire al buen Rock, pero siempre con la marca de la casa de estos polacos, y esa voz que erizaría la misma piel a Jesus en algunas partes del álbum. ¿Nos adentramos?.

Como nos tiene acostumbrados Nergal, el trabajo de sus letras es un trabajazo de información y cultura, centrada en el odio hacia la religión católica, bajo la que se crío en su Polonia natal. Son letras tan rebuscadas, que ni leyéndolas casi entiendes los significados que esconden. Un disco con una rosca de más, a los que muchos a lo mejor se les hará demasiado cargantes de simphonia y grandiosidad, aun que para nada me encuentro en ese sector. Y es que solo necesito el tema inicial "Blow Your Trumpets Gabriel" para poner toda mi atención a lo que va a venir. Donde ya se ve el estilo casi ritual, a la marcha sin prisa a la que va, para acabar desatando toda la furia que llevaba acumulanda.

Las canciones se van sucediendo, y platos fuertes van pasando, llenos de riffs atronadores y una batería desatada como se ve en "Furor Divinus" o "Messe Noire", pero es aquí donde me aparece una sorpresa que no me esperaba a priori, con ese solo de guitarra que cierra el tema, tan clásico, brillante y directo. Ni me imagino lo que tiene que ser vivir en el mogollón un tema como "Ora Pro Nobis Lucifer", más death y directa a la yugular.

Pero lo que más me atrapa del disco, es que cada vez los temas me parecen mejores, y es que los temas de la segunda parte son cada descarga cada cual mejor que la anterior. "Amen" y esas agonías que transmite, para abrir las puertas a "The Satanist", la que le da el nombre al trabajo, y que te hace entrar, con ese juego de platillos, y esas guitarras tan sujerentes, para que de la parte más oscura aparezca esa voz, ¡joder que voz! es que hace que todo esté a sus ordenes, todo trabaja y le envuelve. Increíble, y ya más la guitarra que viene luego, no puedo pedir nada más.

Pero esto no acaba aquí, aun estamos rodeados de tinieblas y la luz del final del túnel se va hacer esperar, pues aun quedan un par de rituales más que no hay que perderse, "In The Absence Ov Light" donde después de un inicio de tralla, aparece la calma, donde unas guitarras acusticas y un saxophone empiezan a fluir, en la oratoria de Nergal, y despues de la calma, ¡la tempestad!, donde Behemoth despliega una de sus partes más destructoras del disco. Con "O Father O Satan O Sun! llega el final, pero antes tenemos siete minutos por delante, donde los coros, la épica y el canto de gloria se verá mejor que nunca, menos tenso que el resto de temas, pero que te eleva, te deslumbra. Genial.

Un trabajo que ha costado sudar, lágrimas y sangre, esta última literalmente, ya que el artista de la portada uso un poco de la de Nergal. Uno de los mejores discos del 2014, una mezcla de intenciones, en los que Behemoth se centra menos en el Black teórico y disfruta más de lo que hace, de su música y que nos regala esta increíble obra.  



Autor reseña: Jorge Bielba.


domingo, 8 de febrero de 2015

Haken – The Mountain (Progressive Metal) – 2013


Impresionante la carrera breve pero intensa de los londinenses. En poco más de siete años de banda, hasta la fecha han sacado una demo, tres álbumes de estudio y un EP, además de estar ya preparando su cuarto trabajo. Cada nueva publicación ha supuesto un gran paso hacia adelante: con la maqueta se probaron a sí mismos, el primer largo fue su propuesta a gran escala, en el segundo se separaron de sus influencias más claras y en el tercero han logrado afianzar su propio signo de identidad. El EP toma como base la demo para patentar la meteórica evolución de este grupo. Escojo como ejemplo para reseñar “The Mountain” porque musicalmente supone su consolidación como banda: con él pasan de ser una promesa del progresivo actual a tener nombre propio. 



A diferencia de los dos previos, este no es un álbum conceptual, aunque todas las canciones tienen un tema común: la experiencia de ascender y descender una montaña como símbolo de los altibajos de la vida. Empezamos con la suave apertura “The Path” que, a través de la dulce voz de Ross Jennings acompañada de un piano, reproduce unos versos reflexivos sobre la vida que unas cuantas canciones más adelante recogerá la canción “Because It’s There”. En esta continuación (iniciada a capella, como si de un canto gregoriano se tratase) encontramos los mismos versos pero contando toda una historia que toma el símil ya mencionado de escalar una montaña para para aportar un sentido filosófico hacia la vida. 

La segunda canción y primer adelanto del disco es “Atlas Stone”, toda una presentación del mundo Haken: intro con un acabado épico, estribillo grandilocuente pero accesible, partes instrumentales de estilo virtuoso (cuando no psicodélico) y de variados géneros. Todo para conformar una estructura enrevesada y nada convencional pero muy efectiva que nos lleva a la gloria. Justo después nos topamos con “Cockroach King”, una canción más oscura pero de estructura igualmente inverosímil y llena de matices (arreglos de jazz, estribillo hipnótico y muchos cambios bruscos). Cuenta con videoclip propio, en el que unos teleñecos imitan a los integrantes de forma bastante adorable. Me resulta imposible no destacar la postura que adoptan los teleñecos, especialmente en los fragmentos vocales, pues resulta ser un claro tributo “Bohemian Rhapsody”, la inmortal obra maestra de Queen. Esto me lleva a citar la reseña que Alex Molina publicó hace exactamente un mes pues, curiosamente, ya se refirió a esta influencia que los grandes olvidados de Gentle Giant tuvieron tanto en Queen como en Haken.

Justo en la mitad encontramos “Falling Back to Earth”, una suite de doce minutos que, también en clave alpinista, cuenta el ascenso y la caída de Ícaro por su ambición de llegar más alto que nadie. La primera parte, “Rise”, es la más dura del disco, con un sonido oscuro y contundente y un estribillo más pegadizo que a momentos recuerda a Avenged Sevenfold. La segunda parte, “Fall”, empieza tranquila, con una melodía sencilla a la que cada vez se le añaden más instrumentos y voces hasta que engancha con el estribillo de nuevo.

El disco se cierra con “Pareidolia” y “Somebody”, dos canciones largas de corte más intimista. La primera comparte la complejidad y variedad de estilos propios del disco, aunque me atrevería a señalar a “Pain of Salvation” como gran influencia en cuanto a estilo y a musicalidad. “Somebody” es líricamente aún más parecida a la temática de los de Daniel Gildenlöw pero con arreglos corales y algún juego vocal marca de la casa.
Nos encontramos ante una de las nuevas estrellas del progresivo actual, cuyo tercer disco supone el afianzamiento de un estilo propio, lógicamente influido por muchos otros, pero que han sabido mostrar como un homenaje y no como una versión. Nos encontramos ante la madurez de una banda que ha sabido hacer del progresivo una vía para explorar terrenos más experimentales de la música. Veremos qué nos deparan en el futuro.


Autor reseña: Pau Edo.